Mit dieser reizvollen Inszenierung, die trotz der immensen Kürzungen zuweilen noch ein wenig langatmig daherkommt, und die dann plötzlich purzelbaumartig zu Ende geht, zeigt das Berliner Ensemble, wie sich Zeiten theatralisch geschickt miteinander verbinden lassen – zur Zeitlosigkeit.
Ein Bouilevardklassiker mit Tiefgang, dem sich zwei exellente Schauspieler widmen. Es geht um Liebe, Ehrgeiz, Charakterstärke und künstlerische Leidenschaft. Aber auch um Verzicht, Würde und Einsicht in die Begrenzung der eigenen Wünsche und Fähigkeiten.
von Albert Ostermeier Berliner Ensemble Regie: Andrea Breth mit: Corinna Kirchoff (Sybel), Wolfgang Michael (Jack); Elisabeth Orth als Mutter und Großmutter, Laura Tratnik und Larissa Fuchs Vom Märchenprinzen zum Monster Zu Beginn hocken Mann und Frau in einem Angst erregend engen und hellen Raum vor geschlossenem Fenster vor einem weißen Heizkörper und langweilen sich und das Publikum beinahe zu Tode. Da offensichtlich jedermann im Publikum auf irgendetwas wartet, bequemen sich die Beiden, die Schweigefolter zu beenden: Er – mit
Verständlich wird die inszenatorische Absicht erst im Hinblick auf die Herkunft des Regisseurs und des Textgebers. Beide sind Ungarn, der eine Jahrgang 1954, der weiß, von welcher Diktatur er spricht, und auch der andre (Marton), Jahrgang 1975, kennt die “alte Zeit” der grausamen Unterdrückungsmethoden und politischen Zwänge aus eigenem Erleben und dem seiner Eltern. Und er hat Zersetzungsregiekunst bei Marthaler in Zürich gelernt. Für beide also ist dieses Theaterspiel außerordentlich politisch. Aber weder der ausgezeichnete Pianist (Jan Czajkowski) noch der Trompeter Paul Brody können hierzu einen überzeugenden Beitrag liefern, noch die abscheulich gekleidete Violinistin, die ihr Instrument in wahrhaft furioser Steigerung in eine Musik hinüberführt, die ähnlich schmerzt wie das abschließende Inferno eines schmerzhaft über das Bühnengeschehen hinweg dröhnende Kampfgeschwader vom Tonband, das mit der neuen Diktatorin die “alte!” Ordnung wieder herstellen wird.
Ein Trauerspiel ohnegleichen, wie es eben nur die Antike hervorbringen konnte. Und heute? Gäbe es da vielleicht irgendeinen Bezug? Eigentlich schon, denn dass eine Frau um einer anderen willen verstoßen wird, man ihr die Kinder nimmt und sie sozusagen in die Gosse wirft, ist, wenn auch nicht mehr in unseren überwiegend christlich-zivilisierten Gesellschaften gemeinhin üblich, aber in vielen anderen Kulturen denkbar… Aber die Inszenierung von David Bösch zeigt weder dieses noch jenes; sie dümpelt wie in einer Flaute durch die aufregende Geschichte; Mit Hilfe eines Rockmusikers (der am meisten Applaus erhält – so tief ist das Publikum getroffen und das Niveau der Inszenierung gesunken!), der zu Beginn irgendetwas verspricht, was dann doch nicht gehalten wird, denn er bleibt fürderhin, nun blutverschmiert als ermordeter Bruder Medeas im Dunkel des Hintergrunds des antiken Dramas.
Intendant Tobias Wellemeyer hat sich das schwierige epische Werk der Germanistin Lea Doher (Jahrgang 1964) vorgenommen, um deren vielfach verschlungene poetische “Erfahrungsgeschichten” dramaturgisch in einer Bühnenversion zu verarbeiten. Das Problem, das in dieser gut zweistündigen, durchaus spannungsreichen Regiekonzeption liegt, ist nicht zu bewältigen, denn es hätte bedeutet: die Komplexität des Stückes zu vereinfachen, sich miteinander verbindende Abläufe und Strukturen zu einem dramatischen Aufbau zu formen und zu ordnen und damit den Anriss menschlicher Ängste, Fluchtversuche, Verletzungen, Frustrationen und Depressionen zu einer theateradäquaten Fassung zu verbinden.